Asistimos personas de diferentes lugares: desde Nueva York, Argentina, Tenerife y Bilbao en España.

Trabajamos un relato corto, Nochebuena, de Eduardo Galeano que se encuentra en el libro El libro de los abrazos, 1989.

Una participante notó que el texto está dividido en dos partes—en una parte, la alegría de las fiestas y alguien que espera a Fernando en la casa, y en la otra parte, está el niño en un hospital solo sin ruido, nadie lo está esperando. Otra persona dijo que el cuento está lleno de oposiciones. Se hablo de como la lectura en voz alta nos deja con el sonido de la “s”, una aliteración que recuerda al susurro del niño y al silencio del hospital.

Hablando de la contraposición discutimos el significativo de lo que el niño pidió, ser reconocido por alguien. Un participante dijo que él está en una soledad absoluta y el chico siempre está ignorado y desea ser reconocido. 

Vimos en contraste que el niño no tiene nombre, pero el doctor se llama Fernando Silva. Fernando no reconoce el niño por un nombre sino por el niño que está solo y la cara está marcada por la muerte. Alguien mencionó que para los médicos los pacientes en el hospital no tienen nombre; son cama 5 o cama 4. Aquí vemos que el chico fuerza el conocimiento y fuerza rozarse contra el médico. El niño está terminal y solo y no quiere estar solo. 

Otra persona mencionó que el médico es muy organizado porque quería dejar todo en orden. Todo estaba en silencio sino los pasos de algodón del chico o no hay nadie o todo mundo está durmiendo. Es como si el niño fuera un fantasma. 

Cuando Fernando decidió marcharse, le costó irse, aunque es Nochebuena. Afuera se celebra el nacimiento de un niño y aquí vemos la muerte de un niño. 

El niño pide contarle a alguien su historia o que el mismo médico lo vea, lo reconozca. 

La propuesta de escritura fue: “Escribe sobre una despedida”. Todos escribimos en la sombra del texto. Escribimos de despedidas relacionadas con la muerte de seres queridos, tener el honor de presenciar la muerte como clínico, la muerte futura y las despedidas recurrentes.

Aquí, ahora alentamos a los participantes que, si así lo desean, compartan lo que escribieron a continuación. Deja tu respuesta aquí, si deseas continuar la conversación sobre parte de los murales exteriores del Nochebuena, de Eduardo Galeano. Pero antes, les recomendamos tener en cuenta que el blog es un espacio público donde, por supuesto, no se garantiza la confidencialidad.

Por favor, únase a nosotros en nuestra próxima sesión en español: El sábado 20 enero a las 13 hrs. o a la 1 pm EST. También, ofrecemos sesiones en inglés. Ve a nuestra página de sesiones grupales virtuales en vivo.

Asistimos 7 personas de diferentes lugares: desde Nueva York, California, Argentina, Tenerife y Bilbao en España.

Trabajamos una obra de arte mural, parte de los murales exteriores del Polyforum Cultural Siqueiros de David Alfaro Siqueiros (muralista mexicano, 1896-1974). Para ello mostramos una perspectiva del edificio que incluía 3 paneles.

Las primeras impresiones mencionaron que parecía muy belicoso, con los dibujos tan marcados, como si representara una batalla. También recuerda a una nave espacial. Poco a poco se van identificando imágenes y componentes de los murales. Se aprecia que es un espacio que irrumpe en el entorno, es agresivo, no queda claro la intención del mural, brazos levantados, una luz que asemeja una bomba. Hace imaginar una lucha. Es muy disruptivo.

La idea inicial fue, en general, muy relacionada con la guerra. Se lee como muy violenta. A lo largo del debate vamos descubriendo detalles y los posibles significados de la estructura. Se menciona la lucha del edificio con el resto del entorno. La foto muestra lucha de poder.

El espacio, las otras estructuras marcan un simbolismo diferente, el edificio aparece como trascendente y el resto, muy homogéneo, parece el cielo. Destaca del entorno en el que se ha construido. También se mencionó que el conjunto en general parecía querer mostrar le pasado, el presente y el futuro.

Cuando comentamos la historia del edificio y de los murales pudimos contrastar nuestra percepción con la idea inicial del autor. Descubrimos como no siempre la impresión que nos dejan las historias es la que pretendía transmitir el autor de la historia.

La propuesta de escritura fue: “Dibuja tu mural (en imagen o palabras)”. Muchos asistentes dibujaron historias vitales, esquemas básicos de una idea. Algunos escribieron y algunos dibujaron palabras. Dibujos y textos a la sombra del texto: esquemas de las historias vitales, del pasado, presente y futuro. Ha sido nuestra primera propuesta artística y ha sido muy enriquecedora.

Aquí, ahora alentamos a los participantes que, si así lo desean, compartan lo que escribieron a continuación. Deja tu respuesta aquí, si deseas continuar la conversación sobre parte de los murales exteriores del Polyforum Cultural Siqueiros de David Alfaro Siqueiros. Pero antes, les recomendamos tener en cuenta que el blog es un espacio público donde, por supuesto, no se garantiza la confidencialidad.

Por favor, únase a nosotros en nuestra próxima sesión en español: El sábado 16 diciembre a las 13 hrs. o a la 1 pm EST. También, ofrecemos sesiones en inglés. Ve a nuestra página de sesiones grupales virtuales.

¡Esperamos verte pronto!

“Polyforum Siqueiros Cuidad de México por David Alfaro Siqueiros.”

Seis participantes se reunieron desde España, Argentina y EEUU.

Leímos el poema “El amor después de amor”, de Derek Walcott, traducido por Alex Jadad.

El debate sobre el poema fue muy enriquecedor. En su transcurso aparecieron múltiples perspectivas y significados, que además se iban construyendo ante las aportaciones de los demás. Hablamos de las disonancias que nos provocaba el poema, de su belleza, de los tiempos y las personas que aparecen explícita o implícitamente. Se destacaron algunas imágenes, como las del espejo y la del festín, por todo lo que significan en la vida: verse a sí mismo desde la perspectiva de otros, celebrar saber quién eres. El poema es complejo, difícil y a la vez muy resonante.

La propuesta de escritura fue, “Escríbete una carta”. Compartimos los textos escritos, destacando la dificultad de escribirse a uno mismo. Surgieron diferentes perspectivas: la carta a uno mismo, a lo que fuimos, a los queremos ser, a lo que somos. 

Aquí, ahora alentamos a los participantes que, si así lo desean, compartan lo que escribieron a continuación. Deja tu respuesta aquí, si deseas continuar la conversación sobre el poema de Derek Walcott. Pero antes, les recomendamos tener en cuenta que el blog es un espacio público donde, por supuesto, no se garantiza la confidencialidad.

Por favor, únase a nosotros en nuestra próxima sesión en español: El sábado 18 noviembre a las 13 hrs. o a la 1 pm EST. También, ofrecemos sesiones en inglés. Ve a nuestra página de sesiones grupales virtuales.

¡Esperamos verte pronto!

“El Amor Después del Amor por Derek Walcott, Traducción: Alex Jadad.”

Llegará el día
en que, exultante,
te vas a saludar a ti mismo al llegar
a tu propia puerta, en tu propio espejo,
y cada uno sonreirá a la bienvenida del otro,
y dirá: Siéntate aquí. Come.
Otra vez amarás al extraño que fuiste para ti.
Dale vino. Dale pan. Devuélvele el corazón
a tu corazón, a ese extraño que te ha amado
toda tu vida, a quien ignoraste
por otro, y que te conoce de memoria.
Baja las cartas de amor de los estantes,
las fotos, las notas desesperadas,
arranca tu propia imagen del espejo.
Siéntate. Haz con tu vida un festín.

El enfoque de esta sesión es la pintura “Los Músicos”, de Fernando Botero, pintor colombiano.

Cinco participantes se reunieron desde España, Argentina, y EEUU.

Elegimos esta pintura porque Fernando Botero murió el 15 de septiembre. Lo primero que se nota es que al pintor siempre le gustó el gran volumen y que aquí hay uniformidad del color. Los músicos se parecen tanto que parecen parientes. Siempre este pintor elige pintar cuerpos grandes. Como eligió pintar las personas, son más importantes los cuerpos que los instrumentos. Las cerraduras son demasiadas pequeñas para salir sonido. La chica es bajita y hay un señor aún más bajito. Los instrumentos ocultan unos de los cuerpos. Parece una orquestra de pueblo, pero tienen instrumentos de viento complejos (como el que parece un fagot).

Un participante pregunto ¿porque hay un pájaro y una fruta? ¿Porque pintar las personas tan realistas pero los instrumentos cómicos? El contraste del volumen de los cuerpos y de los agujeros diminutos de los instrumentos; la música no podría salir.

Alguien mencionó que no hay espacio ni aire entre los cuerpos ni los instrumentos. En varias entrevistas el pintor dijo que él no pintaba figuras voluminosas. Él se refería a sus obras como “formas realistas” y que el arte debe dar placer. 

La propuesta de escritura fue, “Escribe sobre aquella música”. Las escrituras cubrieron recuerdos de tango y niñez, un recuerdo que inicio para un participante la escritura de un soneto, momentos bellos y reflexivos de niñez, y lo esencial que es la música para otra participante.

Aquí, ahora alentamos a los participantes que, si así lo desean, compartan lo que escribieron a continuación. Deja tu respuesta aquí, si deseas continuar la conversación sobre la pintura de Fernando Botero. Pero antes, les recomendamos tener en cuenta que el blog es un espacio público donde, por supuesto, no se garantiza la confidencialidad.

Por favor, únase a nosotros en nuestra próxima sesión en español: El sábado 21 de octubre a las 13 hrs. o a la 1 pm EDT. También, ofrecemos sesiones en inglés. Ve a nuestra página de sesiones grupales virtuales en vivo.

¡Esperamos verte pronto!

“Los Músicos”, de Fernando Botero

Nos reunimos 6 personas desde Nueva York, California, Argentina y España.

Compartimos una Poesía Purépecha, de autor desconocido. Tras leer el poema, comentamos lo que nos había llamado la atención. La importancia de estar atento a la experiencia cotidiana de la vida. Reconocer la vida como proceso, como camino, como presente. El poema como compendio de la vida, material e inmaterial. La vida como hecho biológico. Lo único que queda es información.

Se habló de la capacidad del poema para, en su ambigüedad, su uso de lo impersonal, poder ser adoptado por todas las personas. En que al ser impersonal se vuelve personal para cada uno. Se habló de la personalización de la última estrofa, y debatimos sobre lo que podemos y no podemos, debemos y no debemos acumular para llevar. El poema oscila entre lo universal que es particular para cada uno.

Para otro participante el poema habla de la vida como materia e inmateria, una vida similar. Solo somos recuerdos emocionantes. Comentamos que el poema habla de un punto de ruptura. Para que ocurra “ese día” es necesario estar presente. 

Hicimos dos propuestas de escritura. Dejamos que los participantes escogieran entre: En la vida… y El día que comprendí…

Se escribió sobre esos días que nos hicieron comprender cosas fundamentales de la vida. Sobre la relación con la muerte como modo de vivir la vida. Sobre las experiencias que queremos guardar para llevar al final de la vida. Del presente como regalo para disfrutar. Y nos regalaron poemas que fueron escritos en otro tiempo.

Aquí, ahora alentamos a los participantes que, si así lo desean, compartan lo que escribieron a continuación. Deja tu respuesta aquí, si deseas continuar la conversación sobre la Poesía Purépecha, autor desconocido. Pero antes, les recomendamos tener en cuenta que el blog es un espacio público donde, por supuesto, no se garantiza la confidencialidad.

Por favor, únase a nosotros en nuestra próxima sesión en español: El sábado 16 septiembre a las 13 hrs. o a la 1 pm EDT. También, ofrecemos sesiones en inglés. Ve a nuestra página de sesiones grupales virtuales.

¡Esperamos verte pronto!

Poesía Purépecha por autor desconocido.

En la vida ni se gana ni se pierde,
ni se fracasa
ni se triunfa.

En la vida se aprende,
se crece,
se descubre,
se escribe,
se borra.

Y se reescribe otra vez,
se hila,
se deshila y
se vuelve a hilar.

El día que comprendí
que lo único que me voy a llevar es lo que vivo,
empecé a vivir lo que me quiero llevar”.

El enfoque de esta sesión es la pintura “La Flor blanca”, de José A. Bencomo, pintor cubano.

Cinco participantes se han reunido desde España y EEUU.

Lo primero que se nota es la figura central por los colores. Al fondo no se sabe si es un fantasma o un santo. Otra persona comenta que la figura de atrás parece el Señor de Nacare y que ella tiene tranquilidad, como si fuera a regresar a la casa del fondo. Alguien después nota las manos al lado de la mujer—una buena y una más agresiva. ¿Será mala la mano con el puñal? Hay algo tenebroso en la pintura. 

Los árboles y el fondo no parecen muy reales y las nubes aparentan a punto de tormenta. Ella está muy bien definida pero el resto del cuadro no. Y la figura está pintada muy realista, aunque el resto es surrealista. Hay aspectos que invitan a vivir y otras a matar la mujer en el centro de la pintura. Y la cara de ella es muy reflexiva. ¿Qué piensa? A otra persona le parece que está sentada en un lugar peligroso y lo que tiene en la mano, la flor, tiene espinas. Aun otra persona comentó que la figura está a pie limpio, aunque está alrededor de un ambiente peligroso—al lado de cactus y suculentas, una mano con puñal, otra mano que no sabemos que le ofrece, y está solita. 

Antes de compartir el título de la pintura, los participantes le pusieron título a la pintura: “Adelante a pesar de todo”, “El principio y el fin”, “Despertar”. Los títulos imaginados fueron muy creativos y en línea con la interpretación de cada participante de la pintura. Al aprender el título puesto por el pintor, “La Flor blanca”, las participantes les gustó mucho el título y les pareció que ese es el título indicado para la pintura.

Al analizar más la pintura se notó que la figura divide lo terrenal y lo celestial. Cuando hablamos de las manos, nosotros suponemos que las manos son masculinas. El azul del vestido llama mucho la atención. El azul se usa en imágenes religiosas, sobre todo cuando se pinta San José, y el color rosa para la Virgen. Así que no deja de ser subversivo pintar a la mujer en un vestido azul. Y una participante le parece la mujer tiene un jumper, aún más subversivo. Y su mirada es muy enfocada. Hay mucho mensaje religioso en este cuadro.

La propuesta de escritura fue, “Escribe sobre encontrar la paz cuando el peligro acecha”. Las escrituras cubrieron momentos defensivos en el trabajo, un poema en la sombra de la pintura, una reflexión de la niñez, y una reflexión de paciencia en una situación caótica. 

Aquí, ahora alentamos a los participantes que, si así lo desean, compartan lo que escribieron a continuación. Deja tu respuesta aquí, si deseas continuar la conversación sobre la pintura de José A. Bencomo Mena. Pero antes, les recomendamos tener en cuenta que el blog es un espacio público donde, por supuesto, no se garantiza la confidencialidad.

Por favor, únase a nosotros en nuestra próxima sesión en español: El sábado 5 de agosto a las 13 hrs. o a la 1 pm EDT. También, ofrecemos sesiones en inglés. Ve a nuestra página de sesiones grupales virtuales en vivo.

¡Esperamos verte pronto!

La Flor blanca,1944 por Jose A. Bencomo Mena

Esta vez fue un muy pequeño grupo desde Nueva York, Argentina, España. 

Leímos un poema de Carmen Martín Gaite, “Certezas”. Lo expusimos en primer lugar sin título. 

Es un poema muy irregular, sin ritmo. Sin una estructura clásica. En el poema se expresa una historia, la voz ha perdido su libertad, está encerrada y espera estar encerrado. Pero sabe por dónde quiere ir. Se menciona que se señala al horizonte que es algo inalcanzable. 

Un elemento curioso es que, al no poner el nombre del autor y el título hemos asumido que era una voz de hombre. Recordamos experiencias propias que nos despertaba en el poema.

Al poner el poema descubrimos nuevas cosas. Analizarla sin conocer el titulo nos ayudó a reflexionar más profundamente en las palabras.

Hablamos de estar encerrados y de escapar. De quién tiene las voces.

La propuesta de escritura versó sobre “escribe sobre a dónde quieres ir”.

Escribimos sobre la idea de ir a algún lugar. Escribimos sobre si debemos ir a un lugar o a un tiempo, un momento. Vamos a momentos vitales, no a lugares. Escribimos sobre visitar a personas que ya no podemos visitar. Escribimos sobre ir a poniente, al horizonte.

Aquí, ahora alentamos a los participantes que, si así lo desean, compartan lo que escribieron a continuación. Deja tu respuesta aquí, si deseas continuar la conversación sobre el poema de Carmen Martín Gaite, “Certezas”. Pero antes, les recomendamos tener en cuenta que el blog es un espacio público donde, por supuesto, no se garantiza la confidencialidad.

Por favor, únase a nosotros en nuestra próxima sesión en español: El sábado 8 julio a las 13 hrs. o a la 1 pm EDT. También, ofrecemos sesiones en inglés. Ve a nuestra página de sesiones grupales virtuales

«Certeza» de Carmen Martin Gaite

Habéis empujado hacia mí estas
piedras.
Me habéis amurallado
para que me acostumbre.
Pero aunque ahora no pueda
ni intente dar un paso,
ni siquiera proyecte fuga alguna,
ya sé que es por allí
por donde quiero ir,
sé por dónde se va.
Mirad, os lo señalo:
por aquella ranura de poniente

En la sesión utilizamos la fotografía “Gente en su casa”,  de Andy Goldstein.

No reunimos 5 personas, desde Chile, EEUU y España.

Comentamos sobre la fotografía de Andy Goldstein de la serie “Gente en su casa”. Nos llamó la atención el aspecto de pobreza del hogar y como hay detalles como las estrellas que decoran el techo. Las miradas de las personas, como desafiando al que mira, también llamaron mucho nuestra atención. Vimos que el lugar está abarrotado de muchas cosas; interpretamos que son y qué lugar ocupan en cada sitio.

Vamos despertando a cada detalle y buscando significados. Hay mucha vida. Pero nos preguntamos qué vida tienen, intentamos averiguar cómo es que se organizan, que hace cada uno. Descubrimos como interpretamos la historia desde nuestros propios marcos de significado. Intentamos comprender la vida que hay en la fotografía.

La propuesta de escritura fue, “Uno de nuestros hogares”. Escribimos sobre cómo vivimos en los hogares, sus historias y lo bueno de ellos. Y como nos sentimos en ellos. Hablamos de qué es importante para sentirnos en un hogar.

Aquí, ahora alentamos a los participantes que, si así lo desean, compartan lo que escribieron a continuación. Deja tu respuesta aquí, si deseas continuar la conversación sobre la fotografía de Andy Goldstein de la serie “Gente en su casa”. Pero antes, les recomendamos tener en cuenta que el blog es un espacio público donde, por supuesto, no se garantiza la confidencialidad.

Por favor, únase a nosotros en nuestra próxima sesión en español: El sábado 17 junio a las 13 hrs. o a la 1 pm EDT. También, ofrecemos sesiones en inglés. Ve a nuestra página de sesiones grupales virtuales

ANDY GOLDSTEIN ”GENTE EN SU CASA”

Credit: Andy Goldstein

Nos reunimos 6 personas, desde Tenerife, Valencia, Manhattan, y Argentina.

La obra que hemos leído y analizado es cuento corto “El Beso”, de Galeano (Uruguay).

Una de las participantes notó el contraste del título con el sujeto del cuento. Y preguntó porque Antonio Pujía se atrevió a cambiar la memoria de alguien, de al menos dos personas, en los cambios que le hizo a la lápida. También surgió la pregunta: ¿Será que el año del fin de los dos son los mismos? Galeano nos deja esa incertidumbre.

Otra persona no entiende como es que el escultor, Antonio Pujía, no ve lo que hay debajo del mármol. Es un artista y claro que tiene que ver o saber lo que hay ahí. Ninguna escultura está terminada. 

El cuento le trajo a la mente a un participante los “prioggi” de Miguel Ángel, como el mármol encierra la obra prisionera. Se preguntó: ¿será que es del escultor o de la piedra? ¿Qué ocurre dentro de los libros cuando están cerrados? ¿Acaso el compositor oye la sinfonía entera en su cabeza antes de escribirla, o surge y se crea en tiempo real? Como decía Frank Zappa, se nos da a cada uno un periodo de tiempo y la posibilidad de adornarlo. Y se notó que ninguna escultura está acabada. ¿Será que es la piedra la que manda, no el escultor?

Pensando que Galeano puso el “año del fin” en vez del “año de la muerte”, alguien se preguntó, ¿y si el “año del fin” es el año del fin de la relación y no el año de la muerte? ¿Será que ordenó una lápida para el final de una relación?

Aun otro participante propone que la lápida pudo haber sido de dos personas, en diferentes tiempos, en diferentes lados de la lápida.

¿Y por qué ese título? Es un beso frio, o de despedida. El debate fue multifacético y rico.

La propuesta de escritura fue “Escribe sobre un momento en que viste lo inesperado”. Se escribió de los rostros, en la sombra del texto. Otras escrituras en la sombra, una participante escribió de no saber de la incapacidad de la persona con quien estaba hablando. Había memorias de la niñez y momentos traumáticos. Un texto tenía capas de momentos inesperados. Otro texto nos recordó que cuando alguien viene hablar con nosotros, pensamos que es por algo negativo en vez de pensar que puede ser por algo positivo.

Aquí, ahora alentamos a los participantes que, si así lo desean, compartan lo que escribieron a continuación. Deja tu respuesta aquí, si deseas continuar la conversación sobre el cuento corto de “El Beso”, Galeano. Pero antes, les recomendamos tener en cuenta que el blog es un espacio público donde, por supuesto, no se garantiza la confidencialidad.

Por favor, únase a nosotros en nuestra próxima sesión en español: El sábado 20 de mayo a las 13 hrs. o a la 1 pm EST.

¡Esperamos verte pronto!

El beso, Galeano (Uruguay)

“Antonio Pujía eligió, al azar, uno de los bloques de mármol de Carrara que había ido comprando a lo largo de los años.
Era una lápida. De alguna tumba vendría, vaya a saber de dónde; él no tenía la menor idea de cómo había ido a parar a su taller.

Antonio acostó la lápida sobre una base de apoyo, y se puso a trabajarla. Alguna idea tenía de lo que quería esculpir, o quizá no tenía ninguna. Empezó por borrar la inscripción: el nombre de un hombre, el año del nacimiento, el año del fin.

Después, el cincel penetró el mármol. Y Antonio encontró una sorpresa, que lo estaba esperando piedra adentro: la veta tenía la forma de dos caras que se juntaban, algo así como dos perfiles unidos frente a frente, la nariz pegada a la nariz, la boca pegada a la boca. El escultor obedeció a la piedra. Y fue excavando, suavemente, hasta que cobró relieve aquel encuentro que la piedra contenía.

Al día siguiente, dio por concluido su trabajo. Y entonces, cuando levantó la escultura, vio lo que antes no había visto. Al dorso, había otra inscripción: el nombre de una mujer, el año
del nacimiento, el año del fin. “

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Nos reunimos 8 personas, desde Tenerife, Manhattan, Argentina, Dallas y Colombia.

La obra que hemos analizado es la pintura “El Mundo de Cristina”, de Andrés Wyeth.”

Una de las participantes refiere que le impresiona de una mujer caída, mirando, hacia lo que parece un refugio. Le llama la atención los colores. La protagonista parece que se está arrastrando. Genera ambivalencia: está tratando de escapar o tratando de llegar a algún sitio. Transmite fragilidad: los brazos finos, que no parece que se pueda levantar. Otro participante notó que el cuadro muestra dos mundos: uno tiene el pasto cortado y limpio, e incluye la vivienda. Es la parte cuidada. Es el mundo de la zona de confort. Parece que la muchacha está fuera de ese mundo de confort. No sabemos por qué está fuera. Quizá se fue voluntariamente a ir más allá, o quizás no puede llegar. Tal vez está escondiéndose, se agacha y mira hacia los edificios. Es una posición de alerta. No sabemos si viene o va del salvaje a lo desconocido.
No tenemos la cara. No sabemos exactamente quién es Cristina. Parece haberse escondido. Su postura es muy irreal.

Una de las participantes refiere que le impresiona de una mujer caída, mirando, hacia lo que parece un refugio. Le llama la atención los colores. La protagonista parece que se está arrastrando. Genera ambivalencia: está tratando de escapar o tratando de llegar a algún sitio. Transmite fragilidad: los brazos finos, que no parece que se pueda levantar. Otro participante notó que el cuadro muestra dos mundos: uno tiene el pasto cortado y limpio, e incluye la vivienda. Es la parte cuidada. Es el mundo de la zona de confort. Parece que la muchacha está fuera de ese mundo de confort. No sabemos por qué está fuera. Quizá se fue voluntariamente a ir más allá, o quizás no puede llegar. Tal vez está escondiéndose, se agacha y mira hacia los edificios. Es una posición de alerta. No sabemos si viene o va del salvaje a lo desconocido.
No tenemos la cara. No sabemos exactamente quién es Cristina. Parece haberse escondido. Su postura es muy irreal.

Aquí, ahora alentamos a los participantes que si así lo desean, compartan lo que escribieron a continuación. Deja tu respuesta aquí, si deseas continuar la conversación. Pero antes, les recomendamos tener en cuenta que el blog es un espacio público donde, por supuesto, no se garantiza la confidencialidad.

Por favor, únase a nosotros en nuestra próxima sesión en español: El sábado 22 abril a las 13 hrs. o a la 1 pm EDT. También, ofrecemos sesiones en inglés. Ve a nuestra página de sesiones grupales virtuales.

¡Esperamos verte pronto!

El mundo de Christina por Andrew Wyeth

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